ANÁLISIS DE UNA OBRA DE ARTE DE CADA ARTISTA 👀

Hola de nuevo, esta vez hago público en mi blog el análisis de una obra de cada artista sobre los que realicé un análisis biográfico en la primera tarea del curso.

OBRA DE TINTORETTO

Tintoretto fue un pintor italiano que destacó en la generación posterior a Tiziano. Era un pintor de estilo manierista, que es el nombre que recibe el estilo artístico de la segunda parte del siglo XVI.

Su composición se caracteriza principalmente por la pasión con la que él pintaba. Tintoretto recibió influencias de Tiziano, de Miguel Ángel y de Andrea Schiavone.

La obra que voy a analizar de Tintoretto es “El Lavatorio”, que es una de sus obras más importantes.

El Lavatorio. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/El_Lavatorio_(Tintoretto)

Esta obra fue pintada alrededor de 1548-1549 en técnica de óleo sobre lienzo, su tamaño es de 210 x 533 cm, pertenece al estilo manierista, y actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid.

En ella se representa una escena contada por el evangelio San Juan, que tiene lugar en la Última Cena y en la que Jesús, que se encuentra a la derecha de la imagen y con una toalla atada a la cintura, se dedica a lavar los pies a sus discípulos, de ahí el nombre de la obra, por lo que se puede decir que es una obra de tema bíblico en la que Jesús demuestra que había venido al mundo para servir a las demás personas.

En el centro de la imagen podemos ver a un perro y a los demás discípulos alrededor de la mesa en la que tuvo lugar la Última Cena. También podemos observar en la parte izquierda de la imagen como uno de los apóstoles se encuentra descalzándose a él mismo, al mismo tiempo que otro de los discípulos está en el suelo mientras le ayudan a descalzarse. Lo que más me llama la atención de “El Lavatorio” es el canal de agua que se puede observar al fondo de la misma, que hace referencia al canal de Venecia, ciudad natal del artista.

Otro de los aspectos llamativos de esta obra es que la imagen principal, es decir, el momento en el que Jesús lava los pies a sus discípulos, se encuentre en el lateral derecho de la obra y no en el centro de la misma, lo que hace que la obra parezca descentrada y esté pensada para verse desde la derecha, es decir, su composición es asimétrica y dinámica.

Tintoretto combina colores cálidos y fríos, por lo que se podría decir que la gama de colores que utiliza es amplia y variada, y además hace un uso del predominio del color sobre la línea, una de sus características. En esta obra, la luz parece difusa y engañosa, y el autor emplea la técnica del claroscuro, que es el contraste de luces y sombras, dando una gran sensación de volumen a la obra. Las pinceladas suelen ser con mucho empaste, es decir, pinceladas espesas de pintura que provocan un efecto tridimensional y una textura añadida.

Las figuras representadas en esta obra son realistas, ya que copian la realidad, con un uso correcto del canon,  y posiciones dinámicas, algunas de ellas forzadas, lo que recuerda a Miguel Ángel.

En esta obra podemos observar alguna de las características de la pintura veneciana, como por ejemplo, la construcción de la obra mediante la luz y el color, donde el paisaje adquiera una vital importancia y se convierte en el protagonista de la obra.

En la etapa posterior a la realización de la obra, el Barroco, el estudio y la profundidad de la perspectiva y de profundidad que realizó el autor en esta obra fue reconocido más tarde por Velázquez, que lo traería a España después de uno de sus viajes a Italia.

OBRA DE VICTOR VASARELY

Victor Vasarely fue un pintor húngaro considerado como el padre del Op art, un estilo artístico que hace uso de ilusiones ópticas.

En 1937, en París, desarrolló una de sus obras más importantes, “Zebra”, que es considerada como la primera obra de Op art.

A finales la década de los 50, presentó un nuevo método, “Plastiques unitè”, derivado de las figuras básicas de la geometría, en el que los cambios de estas figuras se cortan de un cuadrado de color y se reorganizan. En este método trabajó con una paleta definida de manera rigurosa de colores y formas.

La obra que voy a analizar de Victor Vasarely es “Zebra”, citada anteriormente, que tiene unas dimensiones de 52 x 60 cm.

Zebra. Recuperado de https://www.wikiart.org/en/victor-vasarely/zebra-1937

En esta obra, el autor realiza un juego de formas y un uso de trazados en blanco y negro para dar movimiento a la obra en la que aparecen dos cebras entrecruzadas entre ellas.

Con esta imagen de las dos cebras entrelazadas, el autor nos quiere transmitir que para la realización de la obra se ha inspirado en varios conceptos que nos transmiten la existencia de una relación muy fuerte de dependencia entre dos seres, como por ejemplo, unión, abrazo o pareja.

Puede parecer que el dibujo está realizado con unas líneas muy simples, pero estas líneas a su vez tienen mucha gestualidad, lo que da lugar a un efecto sintetizado de las dos cebras que se unen en un punto, provocando que la obra tenga una sensación dinámica, que con el trabajo y el talento de Victor Vasarely llenan la obra de sentido.

Lo que Victor Vasarely busca con sus obras es que la persona que las está viendo se tenga que mover o desplazar para captar el movimiento óptico deseado.

En ellas, encontramos una combinación y una repetición de formas y líneas muy elementales, con unos marcados contrastes de color. Son cuadros hechos a partir de la investigación óptica, que carecen de mensaje y de intencionalidad emocional, solamente encontramos efectos ópticos.

OBRA DE SARA ERENTHAL

Sara Erenthal es una artista callejera de la actualidad que nació en Israel y que decidió romper con la relación que le unía con el mundo judío ultraortodoxo de su infancia y juventud debido a que mantenía grandes diferencias con la religión, por lo que se puede pensar que ese “sentimiento revolucionario” de artista callejero le viene desde bien pequeña.

Actualmente, se le considera una de las artistas más importantes de Nueva York.

Sara Erenthal. Recuperado de https://www.pinterest.com.au/pin/455426581061342041/?autologin=true

Como podemos comprobar, esta obra de Sara Erenthal pertenece al estilo del arte callejero, ya que se puede intuir que está pintada sobre un muro o algo similar.

El arte callejero es el arte que se produce de una manera informal y libre en las calles (paredes, trenes, anuncios publicitarios…), y no en los museos. Este tipo de arte se caracteriza por ser innovador y espontáneo.

La obra de la imagen anterior puede pertenecer a la categoría del grafiti, que es un dibujo que además de adquirir un mensaje de protesta, también tiene un sentido estético, como dibujos, formas, mensajes cifrados, etc.

En ella se ve reflejado lo que la propia autora ha considerado como su autorretrato y que se ha terminado convirtiendo en su firma, que es el dibujo de una mujer con trazos negros, de tronco hacia arriba, en el que resaltan unos labios de color rojo.

Esta artista últimamente, además de recorrerse las calles de Brooklyn y otras partes de Estados Unidos desarrollando su arte, también ha comenzado a trabajar en un estudio propio.